Marlon de Azambuja

Prólogo Rahul Gudipudi

“La noche nunca es silenciosa. Murmura, ruge, respira y, al final, envuelve el mundo en sí misma”

La obra de Marlon de Azambuja, aunque a menudo se presenta como una reflexión sobre las modernidades arquitectónicas, es sobre todo un ejercicio de arqueología subjetiva: una exploración de los relatos personales y colectivos que habitan los entornos naturales y construidos que compartimos. La exposición “El otro lado” prolonga esa fascinación constante del artista por las formas materiales e inmateriales que nos rodean. En su práctica, la noche no es una ausencia sino una marcada presencia: un espacio vivo y táctil donde la percepción se transforma y la memoria despierta para mirar el mundo desde un punto de vista diferente. Cuando los rayos racionales del sol se desvanecen y las sombras de nuestra vida interior se alargan, aparecen los fantasmas que la luz del día mantiene ocultos.

“Esfinge/Pantera”, una figura enigmática, custodia la exposición mientras parece mutar ante la mirada. Entre otras referencias, evoca una escultura de ojos de vidrio que el padre del artista realizó cuando él era niño. Azambuja recuerda cómo aquella figura perfecta desapareció una noche, tras no haber sido vigila antes de su traslado. Este homenaje, muchos años después, conserva la misma carga y la misma energía ante lo que está por venir. La pantera, presente en múltiples culturas como guardiana mítica, guía y protectora de los viajeros en su tránsito entre el mundo espiritual y el terrenal. Mitad enigma, mitad centinela, la criatura de Azambuja mira a través del visitante —hacia el pasado, el futuro y más allá—. A través de ella, el espectador comprende que la observación nunca es un acto neutral: es una negociación constante entre la obra y quien la observa, donde el significado está continuamente cambiando.

Los umbrales son un motivo recurrente en la práctica de Azambuja, y aparecen en esta exposición en las esculturas dobles “Beherit”, piezas totémicas que actúan como portales y abren paisajes interiores de la psique, rituales de tránsito. El proceso que el artista emplea en estas obras —también presente en otras como “Historia Interminable” (Neverending History) y “Mundo” (World)— tiene algo de alquímico: convierte un material inorgánico y humilde como el hormigón en una piedra fosilizada, casi mineral. Estas piezas suspenden el tiempo y funcionan como portales que nos transportan. Una calabaza rugosa y un caracol oculto se transforman en meditaciones sobre el presente, fósiles de la condición humana y natural que nos interrogan sobre lo que elegimos preservar y lo que dejamos desaparecer.

En “Broken Burned Kilometer”, Azambuja enciende una hilera de velas para construir un paisaje de ruptura que expande los límites de la exposición mientras quema la superficie de las paredes. La cera derretida y los restos carbonizados conforman un horizonte que divide e invierte el espacio, marcando lo que podría entenderse como un gesto ritual del artista: una acción que sólo puede ser imaginada, nunca presenciada. El visitante recorre un territorio calcinado y no lineal, atravesando sus propias dicotomías de pérdida, duelo, esperanza y resistencia. Cada fragmento sugiere historias íntimas y colectivas, pero la obra rehúye cualquier narrativa única. Es una reflexión sobre la transformación: sobre cómo la destrucción puede convertirse en el origen de otra forma de vida.

La noche, como hilo conductor en la obra de Azambuja, se manifiesta con especial fuerza en “Nocturna” y “Luces de bohemia”. Presentadas aquí como un par de piezas en forma de rombo, “Nocturna” reúne una serie de paisajes boscosos, oscuros e iridiscentes, donde las sombras se superponen y pliegan unas sobre otras, generando espacios que son a la vez refugio y amenaza. El artista trabaja con capas de pigmento que capturan la densidad del follaje, abriendo una ventana inquietante hacia estos hábitats naturales y revelando nuestra relación con ellos. De manera similar, las impresiones fotográficas “Luces de bohemia” emiten un resplandor tenue que ilumina el vínculo entre lo humano y lo natural. Aquí, la naturaleza avanza en la oscuridad sobre las ruinas de la modernidad y la colonialidad, creando un homenaje de lo que alguna vez fue. La naturaleza actúa como agente, no como escenario: un territorio vivo que conserva las cicatrices de nuestras historias compartidas. En estas obras, la oscuridad no es vacío, sino un medio denso, estratificado, absorbente. El tiempo y la memoria se vuelven esenciales, y Azambuja nos invita a habitar varios tiempos a la vez: pasados recordados, presentes que se revelan, futuros que se intuyen. En este pliegue del tiempo, la memoria se activa y la percepción se dinamiza.

El arte de Azambuja no es tanto un conjunto de objetos como un campo de experiencias: una red de ecos en la que el espectador queda implicado en el devenir de la obra, donde memoria e imaginación co-crean y resignifican forma y sentido. “El otro lado” refleja nuestro propio territorio interior y nos invita a atravesarlo hacia otro, donde el artista nos invita a ser testigos del desvanecimiento del mundo material, a sacar a la luz lo que permanece oculto y construir un territorio a la vez íntimo e infinito. Aquí, los límites entre materia y espíritu, luz y sombra, se confunden unos con otros, recordándonos que “el otro lado” nunca está en otro lugar, sino dentro de nosotros.